Silvana

Il Museo Marino Marini nacque nel dicembre del 1973, quando un'esposizione temporanea dedicata all'artista presso la Civica Galleria d'Arte Moderna di Milano a Villa Reale fu convertita in un allestimento permanente grazie all'allora direttore delle Raccolte d'Arte del Comune di Milano. La collezione contava un numero complessivo di duecento opere di Marini, entrate nelle raccolte milanesi in momenti diversi, a cominciare dalle donazioni della famiglia dell'artista al Comune. A seguito del nuovo allestimento delle opere, collocate nel 2010 nel Museo del Novecento, viene pubblicato questo volume, che intende offrire una panoramica completa e aggiornata delle opere della collezione civica milanese: le opere sono suddivise in sculture, ritratti, pitture, disegni e litografie e acqueforti. Il catalogo è introdotto da un testo di Chiara Fabi sull'artista, ed è completato da apparati bibliografici.

Il catalogo, edito in occasione della mostra ideata da Vittorio Sgarbi al Padiglione Eataly di Expo 2015, costituisce uno strumento per apprezzare la ricchezza del patrimonio artistico dell'Italia, un vero tesoro costruito sulla varietà. Il volume offre così, del nostro paese, un ritratto comparativo del fare arte nelle sue diverse regioni, nei suoi più riposti distretti e nei più disparati tempi, documentando dal Piemonte alla Sicilia la varietà genetica di alcuni grandi capolavori. Per ogni regione sono selezionate poche opere non necessariamente famose ma di grande significato, accompagnate da un'accurata scheda descrittiva che la inquadra nel discorso.

I "Contributi alla storia delle antiche scuole di pittura in Lombardia" di Johann David Passavant (Francoforte sul Meno, 1787-1861), qui tradotti per la prima volta e dotati di un ampio apparato critico, rappresentano un anello di quella catena di studi di arte lombarda, e in particolare milanese, caratterizzata dall'assenza di un testo di "critica illuminante". In realtà numerosi eruditi, a partire dal Settecento, avevano radunato preziose informazioni (mai pubblicate e oggi disperse), a cui aveva avuto accesso Passavant nel 1834 grazie all'amico Gaetano Cattaneo. Questi articoli, usciti a puntate nel 1838 sulle pagine della prima rivista specializzata in storia dell'arte, la tedesca "Kunst-Blatt", rappresentano quindi un riflesso di quell'immenso materiale raccolto in quasi cento anni di ricerche e costituiscono il primo tentativo di lettura delle antiche scuole di pittura lombarda secondo il metodo della nascente connoisseurship.

Alessandro Bettagno (1919-2004), storico dell'arte veneziana, curatore di mostre, professore universitario, è l'ultimo della gloriosa generazione dei grandi studiosi del dopoguerra. Il suo nome s'associa da sempre con l'Istituto di Storia dell'Arte della Fondazione Giorgio Cini, di cui è stato per quasi mezzo secolo segretario e poi direttore, con le indimenticabili mostre di artisti veneziani da lui ideate e curate; ma l'instancabile, vulcanica attività di Bettagno si estese anche ad altre istituzioni, veneziane e italiane, apportando ovunque un inestimabile vento di modernità, di gusto internazionale e di pragmatica e illuminata gestione. È in sua memoria, per onorare la magnifica sequenza di mostre e di studi profondi e specifici sull'arte veneziana, condotti con il suo peculiare entusiasmo, che un gruppo di studiosi amici gli dedica questo volume, incentrato sul secolo più amato, il Settecento, e sui suoi protagonisti prediletti - che erano, non per caso, quelli più moderni e internazionali - da Antonio Pellegrini a Canaletto, Bellotto, Guardi, Piranesi, fino ad Anton Maria Zanetti, il suo "compagno" di vita, di cui si pubblica qui l'inventario della biblioteca. Come Zanetti e il gentiluomo veneziano di Canaletto, protagonista del Capriccio architettonico, scelto a emblema del volume, Alessandro Bettagno apre, assorto e curioso, una porta ideale sul Settecento a Venezia.

Il volume documenta il percorso artistico di Pablo Echaurren, sempre in contatto con la vita reale e i suoi conflitti. Seguendo un andamento cronologico, il libro si sofferma in particolare sugli anni 1977-1978 - quando l'artista, dopo un precocissimo esordio, decide di abbandonare la professione per immergersi nel clima sociale complesso e teso del periodo, partecipando al movimento degli indiani metropolitani - e intende mettere in luce l'aspetto più radicale del suo lavoro e il suo avanguardistico contributo al pensiero contemporaneo. È infatti perseguendo l'idea del superamento dell'arte a favore della creatività diffusa che Echaurren trova linfa per le sue pagine profondamente ironiche e antiretoriche. Proprio attorno a questo gruppo di lavori, per lo più quasi completamente inediti, si possono esplorare tutte le "serie" pittoriche che preparano il periodo del 1977 e ne proseguono la ricerca nel solco di una "contropittura" capace di interrogarsi sulla complessità e contraddittorietà dell'esistenza.

Mi sono cimentata in mirabolanti 'exploits' fotografici, scrive Antonia Pozzi il 5 luglio 1929 alla madre Lina

William Congdon (1912-1998), artista americano rappresentante dell'Action painting, lasciata la New York degli amici Pollock e Mark Rothko, dopo aver viaggiato in tutto il mondo, decide di radicarsi a sud di Milano, dedicando la sua ultima produzione al ritratto intimo di campi coltivati, risaie e frutti della terra. Un ventennio lombardo che segna l'apice del suo percorso. Dopo le New York degli anni '40, i Sahara e Santorini degli anni '50, la ricerca da spaziale si fa temporale. Protagoniste diventano la potenza della terra e le sue trasformazioni. Non si tratta di visioni idilliache: si sconvolge l'orizzonte sui campi, quasi a seguire le trasformazioni telluriche dell'origine. Un tormento, anche materico, che si risolve e trova pace nelle nebbie che aprono la via ai monocromi. Riemergono le meditazioni su Braque e De Staël, ma, soprattutto, i dialoghi pittorici con la Scuola di New York di Betty Parsons e Peggy Guggenheim che hanno portato le sue opere nei più importanti musei di New York e alla Peggy Guggenheim Collection di Venezia.

Il volume racconta una delle più importanti rivoluzioni che hanno riguardato l'umanità, non accompagnato dal tuono dei cannoni

Francesco Hayez (Venezia 1791 - Milano 1882), è stato il maggiore interprete della pittura del Romanticismo, nonché una delle personalità di spicco del panorama culturale milanese dell'Ottocento. Il volume si propone come la più completa e aggiornata monografia dedicata all'artista, di cui sono presentate le principali e numerose opere tra dipinti e affreschi, e fra queste un eccezionale confronto tra le tre versioni del celebre Bacio, e le due della Malinconia. Il catalogo rievoca la vicenda biografica e il suo percorso creativo, dagli anni della formazione tra Venezia e Roma, ancora nell'ambito del Neoclassicismo, sotto la guida di Antonio Canova, sino all'affermazione, a Milano, come protagonista del movimento Romantico, contribuendo al prestigio dell'Accademia di Belle Arti e alla formazione della Pinacoteca di Brera. La sequenza di opere restituisce le esperienze di vita e d'arte di un autore in costante rinnovamento, confermando la grandezza del suo genio, tanto nella straordinaria padronanza dello stile e della tecnica, quanto nella continua invenzione e rielaborazione dei temi iconografici prediletti, passando dalla pittura storica al ritratto, dalla mitologia alla pittura sacra. Non a caso, la fama di Hayez, da subito affermatasi in Italia, in Austria e Germania, è oggi consacrata anche a livello internazionale da dipinti importanti entrati nelle collezioni private di tutto il mondo.

L'importanza del divisionismo italiano è stata oggetto di numerosi e approfonditi studi e pubblicazioni

Giorgio de Chirico è la figura artistica più significativa e poliedrica del panorama italiano del secolo scorso. È stato il geniale inventore della Metafisica, una delle più importanti correnti artistiche della modernità, grazie alla quale gli enigmi che percorrono l'esistenza prendono forma attraverso atmosfere sospese e pervase di inquietudine. Di lui il volume raccoglie circa venti capolavori con l'obiettivo di introdurre lo spettatore in un mondo irreale, popolato di meraviglie: piazze fuori dal tempo, stanze segrete, manichini e nature morte. A questo importante nucleo si affiancano le opere di Antonio Nunziante che forniscono, in una versione contemporanea, il valore del mistero impenetrabile delle cose e dei sentimenti. Il maestro di Giaveno presenta il frutto della sua creatività attraverso una trentina di lavori che inducono alla riflessione filosofica e culturale e nascondono un mondo ricco di segreti da scoprire.